Images from Virtually There, 2009
Canadian artist Andreas Rutkauskas questions the experience of the representation of the landscape in a time when every place is over-charted, over-explored or exploited. Can there be something like the experience of witnessing a wilderness anymore? What is triggered inside our mind when we watch something that was once thought to be the source of the experience of the sublime? His project Virtually There takes the interrogative to its limit by matching gps mapping of the Canadian Rocky Mountains with actual views of them, made using the same vantage point of the Google Earth renderings of those virtual images.
But aside from this extreme example of searching for a view after the digital trace of a computer-generated image, all his works are about what space is left to discover a new way to look at things, both exploring the natural landscape and documenting the suburban development across Canada.
Images from Virtually There, 2009
L'artista canadese Andreas Rutkauskas indaga l'esperienza del rappresentare un paesaggio in un'epoca dove ogni cosa sembra essere sovra-mappata, esplorata oppure sfruttata. Può ancora esserci qualcosa di simile a un'autentica esperienza dell'incontaminato? Che cosa si muove dentro di noi quando osserviamo qualcosa che un tempo è stato considerato come l'origine dell'esperienza del sublime? Il suo progetto Virtually There spinge l'interrogativo al suo estremo, mettendo a confronto immagini digitali di rilevamenti gps delle Montagne Rocciose canadesi con delle vedute reali di queste, realizzate utilizzando gli stessi punti di ripresa dei rendering realizzati con Google Earth.
Al di là dell'esempio estremo di cercare una veduta seguendo la traccia digitale di un'immagine computerizzata, è tutto il suo lavoro a chiedersi quale spazio sia rimasto per scoprire un nuovo modo di guardare, sia attraverso l'esplorazione del paesaggio naturale che con la documentazione dello sviluppo abitativo extra-urbano attraverso tutto il Canada.
Kanata, Ontario, from Suburb Beautiful
All images © Andreas Rutkauskas
Wednesday, May 26, 2010
Mountain View
Tuesday, May 25, 2010
Further into the night
Some days ago one reader left a comment (a pretty rare thing to happen, I have to say) on the post about Gilbert Fastenaekens, pointing out the similar b&w line of work shown by Dutch artist Awoiska van der Molen, where dark alleys and empty corners are filled with some presence that indeed remebers the urban mysteries by the Belgian photographer I recently praised here.
Un lettore pochi giorni fa ha lasciato un commento (cosa piuttosto rara, devo dire) al post su Gilbert Fastenaekens, sottolineando l'affinità con il lavoro in bianco e nero di Awoiska van der Molen, dove strade buie ed angoli deserti sono abitati da una qualche presenza che ricorda il lavoro dell'artista belga, qui peraltro ampiamente lodato.
All images © Awoiska van der Molen
Thursday, May 20, 2010
A matter of style
Looking for some text about the birth of fashion photography, the other day I discovered the spectacular street photographs by the Seeberger Brothers, a trio of photographers who ran a studio in Paris from the 1920's and were the first to bring fashion outdoors, paving the road for the art of fashion photography in a time when sketches and drawings were still considered more suitable to promote clothes and accessories than stills.
Creators of timeless shots celebrating style as quality of the individual rather than advertising one brand or another, their photos are an amazing crossover between an ante litteram Sartorialist (here's his own hommage to the brothers, here's the link to a monography devoted to their work) and an August Sander on gin & tonic. 
In cerca di informazioni sula nascita della fotografia di moda l'altro giorno ho scoperto il tesoro dei fratelli Seeberger, un trio di fotografi in attività a Parigi a partire dagli anni '20 del secolo scorso che per primi portarono la moda in strada, gettando le basi per la fotografia di moda così come la conosciamo, in un'epoca in cui bozzetti e disegni erano ancora considerati più adatti a promuovere abiti e accessori rispetto alle fotografie.
Autori di immagini senza tempo dove lo stile come qualità dell'individuo prevale sulla mera promozione di un marchio piuttosto che un altro, le loro fotografie sono uno stupefacente incrocio tra un The Sartorialist ante litteram (qui il suo omaggio ai tre fratelli, qui il link a una monografia dedicata al loro lavoro) e un August Sander spruzzato di gin & tonic.
Sunday, May 16, 2010
Overdue
Skye Edge Lofts, Sheffield, 1981
As you may have noticed, the lansdcape is a recurrent element in the photographic works I write about here. That fine line between documentary and artistic photography, often described by those authors who choose to shape the urban and natural views in a personal vision, is exactly the place where the dilemma between taking or making a photograph can be solved: we see images of uncharted spaces in photographs speaking with a quiet voice, not afraid of eyes who might miss their countless little hidden treasures, and offer the gift of a broader perspective to those who choose to look closer, a chance for discovery.
John Davies is of course one of those photographers, and his mention is definitely an overdue one.
Garth Woods, Taffs Well, 1996
Come avrete già notato, il paesaggio è un tema ricorrente nei lavori fotografici qui citati. Quella linea sottile che divide la fotografia documentaria e quella più esplicitamente presentata come 'artistica', confine spesso chiamato in causa dagli stessi autori, è proprio quel momento in cui il dilemma del fare o del prendere una fotografia trova forse una possibile soluzione: nascono così immagini di spazi non tracciati, fotografie che parlano a bassa voce, senza paura di occhi che possano trascurare i loro tanti piccoli segreti nascosti, offrendo così in dono a chi resta a osservare la possibilità di una prospettiva più ampia, l'occasione di una scoperta.
John Davies è sicuramente uno di questi fotografi, e ricordarlo è semplicemente un omaggio dovuto, con qualche ritardo.
New Street Station, Birmingham, 2000
All images © John Davies
Friday, May 7, 2010
Sitting by a fireplace
"As we drove along gravel roads past fields of clover and alfalfa, corn and wheat, past orchards and pastures and hardwood groves my father's eyes moved constantly over the landscape. He had a thirst for the look of it. I remember wondering what it was that he was always looking at. Eventually I learned to see what he saw, to love what he loved."
When I read Rhondall McKinney's biography, I felt some kind of relief for having found the answer to the question that was haunting me: why do I end up so often longing for photographic works like his own? Landscapes, views, images often with no clear subject, or rather images where the subject is the whole image, with its many paths to walk through with our eyes. I love 'slow' photographs, they make me think about watching the movies, about how different it is to watch the average Hollywood product compared to any movie that is just meant to express the true dream or ambition of a director. In the typical Hollywood movie, if a character is just standing not doing anything particular, surrounded by silence and stillness, we know that shortly something shocking will happen. In the other movie, we will be only asked to feel the inner movement of a human body below the skin, its breath, its heartbeat, the feelings moving inside that person. Same with photography, where certain images are condemned to convey subject matters that force them into compositions and sequences meant for quick consumption, or bound to mean or state something; other photographs, on the contrary, are simply like a fireplace you sit next to, watching the flames endlessly moving.
Leggendo la biografia di Rhondall McKinley ho provato un senso di sollievo per aver trovato la risposta al dubbio che non mi lasciava: perché finisco sempre col cercare fotografie come le sue? Paesaggi, vedute, immagini spesso senza un soggetto preciso, o piuttosto immagini dove il soggetto è appunto l'immagine tutta, con i suoi tanti sentieri da tracciare con gli occhi. Amo le fotografie 'lente', mi fanno pensare al cinema, a quanto è diverso ad esempio guardare il tipico film di Hollywood oppure un qualsiasi film realizzato per esprimere semplicemente il sogno o l'ambizione di un regista. Nel film hollywoodiano, se un personaggio se ne sta immobile senza far nulla, circondato da silenzio e quiete, sappiamo che a breve qualcosa di sconvolgente accadrà. Nell'altro film, al contrario, siamo semplicemente invitati a percepire il movimento interno di un corpo umano sotto la pelle, il respiro, il battito del cuore, le sensazioni che abitano quella persona. E lo stesso accade in fotografia, dove molte immagini sono condannate a veicolare un contenuto che le forza in composizioni e sequenze destinate a un consumo veloce, oppure costrette a significare o ad affermare qualcosa; altre immagini, al contrario, sono come un fuoco accanto a cui ci sediamo, a guardare le fiamme che si intrecciano all'infinito.
All images © Rhondall McKinney, from Illinois Landscape, 1979-2006
Ground glass beauty
Excellent landscape photography (will she be fine with my quick description of her patient art?) by Alia Malley, whose work I discovered by merely running through the visitors of this blog's Facebook page (btw, it might be worth a visit every once in a while, there's links and photogalleries of stuff that often does not end up here). The profile picture with her standing next to a gorgeous wooden folding 8x10 was enough to make me rush to her website, and her images match perfectly her pose in the photo, scanning the horizon, one hand shielding her eyes from the sun.
Alia Malley è autrice di una splendida fotografia di paesaggio (mi concederà la sbrigativa descrizione del suo paziente lavoro?), scoperta curiosando tra i visitatori della pagina Facebook di questo blog (fateci un salto ogni tanto, ci sono link e gallerie fotografiche che non spesso non trovate riprese qui). La sua profile picture che la mostra accanto a una splendida folding di legno 20x25 mi ha fatto correre a visitare il suo sito, e le sue immagini riflettono perfettamente la sua posa nella piccola foto, intenta a scrutare l'orizzonte, con una mano a schermare gli occhi dal sole.
All images © Alia Malley
Wednesday, May 5, 2010
Shadows and fog
La Havre, 1983
I immediately fell in love with Gilbert Fastenaekens' night photographs, there is something timeless about those roads and those buildings (was he wandering in the dark with Brassaï in another life, did he convince Atget that night could be a great time for work?), something that makes everything look like a scene from an old classic movie, footpaths full of ghosts, closed windows hiding countless stories, amazing images where we feel like we're really witnessing the mystery of the night, in another world where we might not even belong.
More images here, here a commissioned work made in the town of Treviso, Northern Italy, in 2005.
Bruxelles, 1983
È stato subito amore per le notti di Gilbert Fastenaekens, c'è un che di senza tempo che attraversa quelle strade e quegli edifici (forse in un'altra vita vagabondava con Brassaï nell'oscurità, oppure ha convinto Atget che la notte è uno splendido momento per lavorare?), qualcosa che fa sembrare tutto come se fosse preso da un vecchio classico della storia del cinema: marciapiedi pieni di fantasmi, finestre chiuse che nascondono mille storie, splendide immagini che ci fanno sentire di fronte al mistero di una notte superba e altera, in un mondo che non sappiamo riconoscere se sia davvero il nostro.
Altre immagini qui, qui un lavoro realizzato per la città di Treviso nel 2005.
Untitled (tree), 1983
All images © Gilbert Fastenaekens
Monday, May 3, 2010
No logo...?
- Need to update the assignments' slots, Didier. N. 2 is taken.
...yes! As long as it offers a mix of conceptual convoluted ideas with some kind of hommage for two masters of the photographic art, like the project TOBERND/YOURHILLA by Didier Falzone.
"In the TOBERND,YOURHILLA project, each slot of the 3x3 logo grid evoke one of the storage silos arranged into grid for comparation of form and design. These logos try to suggest some of the forces of the composition to get a visual representation to be used as one-way identity. Once the nine signs will be assigned, the digital manipulation will mirror itself in a systematic auto-generated community."
So what you see on the upper right side of the blog is the slot I've chosen, and it hides some graphic rendition of the intrinsic logic and movement behind one image by the Bechers.
Me, I've picked that because it reminds me of Hippolyte Bayard's face in his Drowned's self-portrait...
... e invece si! A patto che presenti un mix di concetti complicati e amore per due maestri della fotografia, proprio come il progetto TOBERND/YOURHILLA di Didier Falzone.
I loghi del progetto sono nove, disposti in una griglia 3x3 come quelle dei cari coniugi tedeschi, e ognuno di essi nasce da un'elaborazione delle linee e forme che compongono le immagini (almeno credo).
Quindi in alto a destra del blog vedete il logo che ho scelto, nelle cui linee si celerebbe la struttura profonda di uno dei silos dei Becher.
Io l'ho scelto perché mi ricorda il volto di Hippolyte Bayard nell'autoritratto da annegato...
